Официальный сайт Дмитрия Малолетова

Дмитрий Малолетов, Dmitry Maloletov

О качестве современной звукозаписи

 

Статья для журнала "Шоу-мастер" № 3 2015

 

Дмитрий Малолетов

 

Современные технологии звукозаписи, которые стали доступны широким массам, открыли возможность многим людям реализовать свои творческие потенциалы. С каждым годом производители музыкального оборудования, а также компьютерные программисты создают все новые и новые инструменты, которые стирают грань между профессиональной студийной  и домашней записью.  Наступило время, когда не оборудование определяет качество работы, а именно человек, его умение грамотно использовать инструментарий. Поэтому сейчас как никогда актуальны учебно-образовательные  материалы для изучения всех вопросов, касательных звукозаписывающего процесса.

 

Данная статья адресована всем, кто занимается звукозаписью, в основном музыкантам, которые имеют домашнюю студию и осваивают все премудрости профессии звукорежиссера-продюсера.

Основная проблема многих молодых музыкантов, которые встали на этот путь, заключается в том, что технологической стартовой площадкой их работы стали компьютерные системы. Не пройдя путь аналоговой записи музыканты попадают в среду  удивительных возможностей, использование которых требует знания не только звукорежиссуры, но и других дисциплин, например, психоакустики. Как мы знаем, любая технология, изначально предназначенная для облегчения жизни, имеет свои подводные камни. Любой прогресс, есть относительный регресс. Понимание проблематики процесса звукозаписи, а также многих аспектов, связанных с ней, помогают получить наилучший результат.

Итак, давайте проанализируем все плюсы современных технологий и найдем в них скрытые минусы. Определив «болезнь» можно найти пути ее «лечения».

 

Слушая современные записи даже таких стилей как рок, джаз и других «живых» жанров, (не говоря уже об электронике изначально сделанной на компьютере) и сравнивая их со старым аналоговым материалом (60-х 70-х годов), сразу бросается разница в качестве. Современные записи звучат хрустально, очень чисто, невероятно насыщено, гладко, прозрачно и очень громко! Казалось бы прогресс налицо и что тут говорить? Но вот замечаешь такой факт. Многие современные CD долго слушать не хочется. Странно, но даже купив новый альбом хорошего исполнителя, не можешь его дослушать до конца!  Возможно причина в том, что музыка на CD не так хороша? А может быть современный ритм жизни уже не может выдержать столько утомительной работы: потратить почти час на прослушивание одного альбома? А может за годы работы в индустрии от музыки накопилась усталость, что хочется тишины и покоя?

Возможно эти факторы имеют место, но в данной статье хотелось бы обратить внимание на технические составляющие, которые отрицательно влияют на производство музыки на всех стадиях.

 

Создание аранжировки и количество треков

 

Известно, что неграмотная аранжировка, когда партии инструментов создают гармонические и частотные артефакты, может здорово испортить хороший материал.

Как проходил процесс на заре звукозаписи? Музыканты сочиняли песню (к примеру), потом  на репетициях думали как ее исполнить. Методом проб находили наиболее удачные варианты. Потом репетировали, чтобы играть песню уверенно. И только потом приходили в студию, исполняли произведение, в то время как звук через микрофоны ложился на магнитную ленту.

Такая запись требовала от музыкантов, во-первых, хорошо подготовиться к студийной работе на этапе репетиций: продумать партии каждого инструмента в аранжировке и  хорошо их выучить. Так как как-то вычистить ошибку технически было невозможно, то на каждого музыканта ложилась большая ответственность, что  заставляло всех участников записи готовиться  к каждой студийной сессии относиться очень серьезно.  При таком подходе есть плюсы.

1) На стадии репетиций все музыканты слышат недостатки. Материал долго шлифуется. Хотя немало записей 50-х, 60-х годов сделаны спонтанно, сыгранны с ходу прямо в студии. Достаточно вспомнить начало карьеры Элвиса Пресли! Но с точки зрения аранжировки важен другой момент.

2) На записях звучит только то количество инструментов, которые звучат в живом исполнении.

Современные технологии дают возможность создания сотен треков!  Однако все это звуковое нагромождение серьезно осложняют сведение в плане частотного баланса. Звуковая картина при таком подходе имеет сложную частотную сумму, в аранжировке зачастую отсутствует прозрачность и воздух. Слушать большое количество инструментов, особенно звучащих одновременно, для слуха очень не комфортно. Желание сделать мощный бас, густой пэд, насыщенную бочку, даблтреки гитар в сумме дает такой концентрат звука, что найти инструментам  место в миксе не представляется возможным. Перегруженность аранжировки - главная болезнь современных записей. Музыканты просто стали бояться звучать естественно, так как относительно других "нафаршированных" студийных работ честная запись кажется менее убедительной. Но слушать такую музыку не комфортно. Честную же запись слух принимает с большей благодарностью. Такая запись имеет бОльшую ценность в долгосрочной перспективе.

Поэтому на этапе создания аранжировки нужно стараться обходиться минимальным количеством треков (инструментов).

Стоит добавить еще один факт, который относится больше к поп-музыке. Сейчас аранжировки в основном делает один человек, играя партии за все инструменты. Это не всегда хорошо, по двум причинам. Во-первых, музыкант может не очень грамотно создавать партии инструментов. Не все пианисты-аранжировщики или гитаристы, программируя барабаны, понимают специфику игры на ударной установке. И кроме этого, при работе одним человеком над аранжировкой нет коллективного контроля и фильтрации. Ведь в группе материал шлифуется долгим анализом всех участников ансамбля, с позиции каждого инструмента. Получается некое единство противоположностей. Когда человек делает все один этого не происходит.

Как бы то ни было, если есть возможность, работать над музыкальным материалом лучше с людьми.

 

Метроном и все что с ним связано

 

При игре музыкантов, на репетициях, на концертах, происходит взаимодействие между музыкантами в плане ритма. При игре они (подсознательно или сознательно)  «ловят» друг друга во времени и высшей ступенью при живой игре является достижение особого резонанса, когда все участники группы входят в один временной шаблон. Человек, слушающий такую музыку, не может этого не ощутить, даже не осознавая происходящего.

Однако современные технологии открывают совершенно новые формы работы. Запись наложением во многих стилях стала основным методом. Резонанса музыканты ищут не друг с другом, а с метрономом, который стал главным мерилом ритмической конструкции музыки. Мерило это весьма спорное, так как ни в фольклорной, ни в классической музыке, ни в блюзе, джазе и даже в ритмичном фанке музыканты не играли абсолютно ровно по темпу. Играть абсолютно ровно (точно) просто невозможно, так как человек не может удерживать постоянный темп, даже если поставит себе такую цель. Но в этом и нет необходимости. Детальный анализ ранних композиций  направлений легкой музыки показывает, что темп песен и композиций плавает в довольно широком диапазоне. Иногда к концу произведения темп увеличивается на 8-10 уд. в минуту. Этот «загон», который сейчас рассматривается как жуткая «кривизна» на самом деле на восприятие музыки влияет плодотворно. В плавании по темпу заложена эмоциональность. Так на тихих местах музыканты, как правило, несколько сбавляют темп. А на кульминационных местах естественно темп повышается. Так играют люди. Но компьютерные стили сменили ритмическую парадигму. На первое место вышла точная остинатность и абсолютная ровность. Под такую музыку легко танцевать и делать другую «аэробику».

Постепенно компьютерная ровность пришла и в «живые» стили. И во время записи музыканты стали записываться наложением под клик. При всем удобстве многоканальной записи в ней есть минусы. Во-первых, при такой форме студийной работы репетировать вместе музыкантам уже не нужно, так как ритмическое взаимодействие между музыкантами уходит на второй план. Взаимодействие идет с метрономом, который у всех есть в компьютере. При этом музыкантам для отработки совместной игры можно и не встречаться вовсе. Результат -  вся музыка, которая выходит последние годы стала какой-то одинаковой. Это касается даже сугубо «живых» стилей, таких как рок, блюз и даже джаз! И вина этому - метрономная концепция. Если раньше каждая группа имела свой «грув», свое достижение «резонанса», свое время, то сейчас звучание основной массы музыкального продукта стало компьютерно-ровным, то есть одинаковым.

Какие же пути для лечения этой «болезни»? Опытные барабанщики, играя под клик, имеют достаточную зону для ритмического маневра. Во-первых, внутридолевая пульсация, которая придает ритму особую прелесть. Она у каждого музыканта имеет свои нюансы. Дают положительные результаты работа с темпотреком.  Можно в аранжировке прописать все замедления/ускорения. Лично я при работе применяю способ, которым пользуются многие в рок-музыке. Сначала записывается группа как черновик с ударными (под метроном, коль речь идет о нем). Затем инструменты бас-гитара, гитары, переписываются на чистовик уже на записанные ранее ударные. Смысл такого подхода в том, что музыканты играют не в метроном (который вообще выключается), а «ловят» ударные.

Во многих же студиях поп-музыки, где мне приходилось наблюдать работу  записи «живых» ударных происходит с точностью наоборот. Сначала начисто записываются все инструменты и голос (под электронные ударные), а потом вся эта мультитрековая запись включается в студии с тикающим метрономом. Барабанщики играют с этим готовым «оркестром».  Такой способ тоже дает результат, но только при наличии мега-барабнщика, способного органично вписаться в законченную запись.

Но как бы то ни было самая лучшая запись получается от игры группы в реальном времени, когда вся ритм секция играет одновременно. Как ни пытаться перехитрить все сложности такой формы работы, она всегда будет иметь ценность и уникальность. Поэтому при возможности организации такой записи стоит идти именно по такому бескомпромиссному пути.

 

Глубокая редакция треков

 

Современные технологии записи позволяют выполнять редакцию треков. Сбылась мечта многих поколений музыкантов! Сейчас можно из записанной партии убрать все ошибки и довести ее до идеального звучания. О том как сейчас можно скомпоновать гитарное соло, нарезав, его из нот хроматической гаммы, уже стало анекдотом. На студии редко можно встретить вокалиста, который бы не пользовался на сведении автотюном. Все эти идеальные треки, вычищенные  и тщательно причесанные, соединяясь вместе должны по замыслу давать идеальную звуковую картину. Но этого не происходит. Человеку при прослушивании не за что зацепиться!  Это напоминает яблоко, которое сорвали с дерева и отчистили (замылили) от всех естественных природных червоточинок. Его сделали идеально ровным по форме и цвету, гладким как стекло. Получилось такой «восковой» фрукт, которого не бывает в жизни. Смотреть на такое яблоко как-то не по себе. Оно вызывает недоверие как что-то ненастоящее. Умом понимаешь, что оно идеально, а душа этого никак не принимает. На мой взгляд половина музыки убивается именно глубокой редакцией треков, в результате которой убираются все исполнительские шероховатости, которые порой и привлекают внимание. Именно мелкие нюансы (мелкие ошибки в рамах зоны) придают человечность игре. Особенно губительна редакция в рок музыке. Современные стили тяжелого рока, где много студийной химии совершенно не цепляют бывалых рокеров, воспитанных на «непричесанных» звуках.

В конечном итоге, многие продюсеры, создающие качественный материал если и редактируют треки, то самым минимальным образом, убирая только самые грубые, явно бросающиеся в глаза недочеты. Все это придает записи естественный, человеческий вид.

 

Компрессия

 

Анализируя современные подходы к звукозаписи, особого разговора заслуживают вопросы компрессии треков и особенно финальных миксов. На эту тему написано немало и в целом «войне громкостей» последние годы уделяется много внимания. Если кратко остановиться на этом вопросе, то хочется отметить один факт. Жестко компрессированный микс действительно создает яркое впечатление относительно натурального. Кажется, что он звучит лучше и мощнее. Записи с большей громкостью кажутся более крутыми. Однако сделав над собой эксперимент вы поймете что при длительном прослушивании все становится в точности наоборот. Разогнанный микс можно послушать один раз. После этого уши слушателя просто отваливаются. Прослушать в таком исполнении весь CD для слуха становится просто пыткой!  (может поэтому дослушать CD современной группы  становится все более сложно). Это на чисто физическом уровне. Натуральный микс (с минимальной компрессией, с естественной динамикой) можно слушать долго! Он не давит, не создает дискомфорта и не заставляет побыстрее снять наушники. Поэтому при работе над мастерингом стоит задать себе вопрос вы это делаете для того, чтобы на несколько минут пустить пыль в глаза или хотите, чтобы вашу работу слушали долго? Очень радует, что многие исполнители на своих записях сейчас не имеют особого желание всех «переорать». Это дает легкий оптимизм, что звукозапись пройдет этот этап своего развития и война громкостей будет закончена победой естественного звучания.

 

Кристальная чистота

 

Борьба звукозаписи с шумами, в конечном итоге, дошла до того, что многие продюсеры специально добавляют «белый» шум в конечный микс. Если раньше шум аналоговой ленты, а тем более, скрип иглы винила, считались техническими издержками (несовершенством техники), то получив абсолютную тишину в записи все поняли, что слушать музыку в таком окружении довольно не комфортно. Надевая наушники, исключая естественные звуки окружающего мира, которые для нас априорные, ты попадаешь в неестественную среду, так как в жизни абсолютной тишины просто не бывает. Но про этому поводу много написано, поэтому не будем углубляться. Интересен тут другой момент. На старых записях, записанных в реальном времени микрофоны улавливали звуки из всех источников. В микрофон гитары попадали и барабаны и бас и другие инструменты. Бороться с проникающими посторонними шумами при записи в реальном времени всей группы было сложно. В настоящее время при записи наложением данные проблемы исчезают. Но  продюсеры, звукорежиссеры и музыканты стали замечать, что при этом что-то потерялось. В старых записях, когда звук ложится на пленку из разных источников, входя в структуру других инструментов, происходит некая звуковая «сцепка» (от взаимопроникновения звука от разных источников) и тем самым естественное обогащение и насыщение. Изолированные инструменты звучат кристально чисто, без артефактов, но при этом, как бы, отдельно друг от друга.  Особенно это проявляется   при записи барабанной установки, когда каждый барабан отсекается гейтом и эквализацией. Ударная установка начинает звучать чисто, у нее нет характерного гула, возникающего от резонансов, но при этом звук ударной установки больше напоминает ритм-машинку. Поэтому многие продюсеры начали пользоваться гейтами деликатно, а многие так вообще перестали это делать, сохраняя максимум естественного звучания со всеми звуковыми артефактами.

Постепенное возвращение к записи в реальном времени, отсутствие боязни взаимопроникающих звуков, насыщение микса естественными шумами - все это свидетельствует о прохождении определенной стадии развития технологии и изменению подходов в звукозаписи.

 

Цифровые эмуляторы

 

Виртуальные инструменты уже давно заняли главное место, заменив «железных» предков, которые остались во многих  студиях скорее для эстетики или для картинки для клиентов. Удобство использования виртуальных инструментов побеждает качество звука. Доходит до того, что в одной богатой студии я наблюдал запись гитары через цифровой процессор, когда в соседней комнате имелось более 30 (!!!!) самых раритетных усилителей и кабинетов! Но подключение гитар по этой схеме требует времени. Расстановка микрофонов,«рулежка» звука - все это отнимает много сил. Цифровой процессор делает имитацию этого звука через нажатие нескольких кнопок. Понятно, что звук проигрывает. Но этот проигрыш, как считают производители коммерческого музыкального продукта, не сопоставим с затратами сил, времени и средств, работая по старинке.

В результате общий музыкальный фон записей стал стандартным.

Использование живых инструментов, запись через микрофоны насыщает микс полезной информацией и очень обогащают звучание.  А качество кроется в мелких деталях, что отличает серьезные работы от быстрых коммерческих проектов.

 

* * *

 

Итак, в данной статье мы рассмотрели некоторые аспекты, на которые стоит обратить внимание всем, кто занимается звукозаписью.

В своей работе над альбомом «Облака», который вышел в апреле 2015 года,  я старался использовать рассмотренные вопросы на практике, максимально сохраняя на записи естественное звучание  гитары и ансамбля, сознательно уходя от некоторых современных тенденций производства музыки.